Salonkonzert zum Advent

Morgen (23. Dezember um 18:30 Uhr) findet in den Räumlichkeiten des Vereins in der Augustastraße 6 in Görlitz ein Konzert mit Jonas Vitaud statt. Für dieses intime Konzert hat der französische Pianist einige der besinnlichsten Stücke des Klavierrepertoires ausgewählt und widmet diese Musik dem Verein als Dank für die Möglichkeit, den Flügel während seines Aufenthalts in Görlitz nutzen zu dürfen. Auch wir danken dem Pianisten und wünschen allen ein frohes Weihnachtsfest.

Jonas Vitaud | Salonkonzert

Im Programm stehen folgende Werke:

FRANZ LISZT (1811–1886)

Consolations, S. 172

1. Andante con moto

2. Un poco più mosso

3. Lento placido

4. Quasi Adagio

5. Andantino

6. Allegretto sempre cantabile

   
   

En rêve, S.207

RICHARD STRAUSS (1864–1949)

Aus “Stimmunsbilder” Op. 9

1. Auf stillem Waldespfad (Nr.1)

2. An einsamer Quelle (Nr.2)

3. Heidebild (Nr.5)

   
   

LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770–1827)

Klaviersonate c-moll, Nr.32, Op.111 2 Satz. Arietta: Adagio molto semplice e cantabile

Jonas Vitaud

Biografie auf Deutsch

Jonas Vitaud wurde 1980 geboren und begann im Alter von sechs Jahren mit dem Klavierspiel und mit elf Jahren mit dem Orgelspiel. Als Schüler von Brigitte Engerer, Jean Koerner und Christian Ivaldi erhielt er vier Premier Prix (Klavier, Kammermusik, Klavierbegleitung, Harmonielehre) am Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris (oder, einfacher gesagt, Pariser Konservatorium) und gewann anschließend Preise bei mehreren internationalen Wettbewerben (Lyon, ARD-Musikwettbewerb München, Triest, Internationaler Beethoven-Klavierwettbewerb Wien) sowohl als Solist als auch als Kammermusiker. Er tritt regelmäßig bei renommierten Festivals wie La Roque d’Anthéron, dem Lille Piano(s) Festival, Piano aux Jacobins, Pâques à Deauville, La Folle Journée in Nantes, Tokio, Jekaterinburg und Warschau, dem Festival de La Chaise-Dieu, dem Chopin-Festival in Bagatelle, dem Richard-Strauss-Festival in Garmisch-Partenkirchen, Autunno Musicale in Caserta, iDans in Istanbul, dem Dubrovniker Sommerfestival und French May in Hongkong auf und konzertierte bereits in der Phillips Collection in Washington. Er spielt in ganz Europa, aber auch in Russland, China, der Türkei, Japan und den USA.

Jonas Vitaud trat als Solist mit Orchestern wie dem Sinfonieorchester Mulhouse, dem Orchestre du Capitole und dem Kammerorchester Toulouse, der Sinfonia Varsovia, der Mährischen Philharmonie, dem Münchner Rundfunkorchester und dem Prager Rundfunk-Sinfonieorchester auf.

Auch der Kammermusik räumt er einen besonderen Platz ein. Zu den Künstlern, mit denen er auftritt, gehören die Sängerinnen Karine Deshayes, Sumi Hwang und Yumiko Tanimura, die Cellisten Victor Julien-Laferrière und Christian-Pierre La Marca, der Bratschist Adrien La Marca, der Pianist Adam Laloum, der Klarinettist Raphaël Sévère, die Geigerin Mi-Sa Yang und das Quatuor Zaïde.

Als begeisterter Verfechter zeitgenössischer Musik hat Jonas Vitaud mit Größen wie Henri Dutilleux, Thierry Escaich, György Kurtág, Philippe Hersant und Yann Robin zusammengearbeitet. Diese Begegnungen, insbesondere beim Festival Musique sur Ciel in Cordes, boten ihm die Gelegenheit, sich mit der großen Vielfalt aktueller Musikströmungen auseinanderzusetzen und seine musikalische Vorstellungswelt weiterzuentwickeln.

(Quelle: Mirare)

Biografie auf Englisch auf der offiziellen Website von Jonas Vitaud.

Alle Tonaufnahmen des Pianisten für das Label Mirare:

Zum Programm

Consolations, S. 172

Die Consolations, S. 172 (auf Deutsch: Tröstungen), bestehen aus sechs Solokompositionen für Klavier. Sie entstanden zwischen 1849 und 1850 und stellen Liszts zweite Fassung der Consolations dar.

Die Quelle des Titels „Consolations“ könnte Lamartines Gedicht „Une larme, ou Consolation“ aus der Gedichtsammlung „Harmonies poétiques et religieuses“ (Poetische und Religiöse Harmonien) sein. Liszts Klavierzyklus „Harmonies poétiques et religieuses“ basiert auf Lamartines Gedichtsammlung. Eine weitere mögliche Inspirationsquelle für den Titel sind die „Consolations“ des französischen Literaturhistorikers Charles Sainte-Beuve. Sainte-Beuves 1830 veröffentlichte „Consolations“ ist eine Sammlung romantischer Gedichte, in denen die Freundschaft als Trost für den Verlust des religiösen Glaubens gepriesen wird.

Consolations Nr. 1 und 2

Die erste der Consolations steht in E-Dur und ist ursprünglich als Andante con moto bezeichnet. Die kürzeste der drei Consolations, bestehend aus nur 25 Takten, hat denselben Anfang wie ein anderes Werk Liszts, die Album-Leaf (Première Consolation), S. 171b. Die Consolation Nr. 2 steht ebenfalls in E-Dur und ist zunächst mit „Un poco più mosso“ überschrieben. Sie wird oft direkt im Anschluss an die erste, ohne Pause, gespielt.

Consolation Nr. 3, Lento placido

Die dritte Consolation steht in Des-Dur und ist zunächst mit „Lento placido“ überschrieben. Sie ist die beliebteste der Consolations und auch ein beliebtes Zugabestück. Ihr Stil ähnelt Chopins Nocturnes; insbesondere scheint sie von Chopins Nocturne op. 27 Nr. 2 inspiriert worden zu sein. Die Ähnlichkeit der beiden Werke wurde als Hommage an Chopin interpretiert, der 1849, ein Jahr vor der Veröffentlichung der Consolations, starb. Diese dritte Consolation ist jedoch eines von mehreren Werken Liszts, die einen an Chopin erinnernden Stil aufweisen; Beispiele hierfür sind Liszts Polonaisen, Berceuse, Mazurka brillante und seine Balladen. 1883, Jahre nach der Komposition der Consolation, erhielt Liszt von der Firma Steinway einen Flügel mit einem Sostenuto-Pedal. Liszt begann mit der Transkription dieser Consolation für das neue Sostenuto-Pedal und schrieb in einem Brief an Steinway:

„Bezüglich der Verwendung Ihres nützlichen Tonhaltepedals füge ich zwei Beispiele bei: Danse des Sylphes von Berlioz und Nr. 3 meiner Consolations. Ich habe heute nur die Einleitungstakte beider Stücke notiert, mit dem Hinweis, dass ich, falls gewünscht, die gesamte Transkription gerne mit exakter Anpassung an Ihr Tonhaltepedal fertigstelle.“

Liszt empfahl, das Sostenuto-Pedal bei der Interpretation dieser Consolation sparsam einzusetzen und äußerte sich positiv über dessen Wirkung auf die ruhigeren Passagen.

Consolation Nr. 4, Quasi-Adagio

Die Consolation Nr. 4 steht in Des-Dur und ist zunächst als Quasi-Adagio bezeichnet. Sie wurde 1849 komponiert und ist aufgrund des sechszackigen weißen Sterns auf der gedruckten Partitur auch als Stern-Consolation bekannt. Sie wurde von einem Lied geschrieben von Maria Pawlowna, der Großfürstin von Sachsen-Weimar-Eisenach, inspiriert. Die Stimmung der Komposition wurde als „kirchlich-religiös“ & „gebethaft“ beschrieben.

Liszt verwendete das Thema der Consolation später im Andante sostenuto/quasi adagio seiner Klaviersonate in h-Moll wieder.

Consolation Nr. 5. Andantino

Die Consolation Nr. 5 steht in E-Dur. Sie ist zunächst als Andantino bezeichnet. Die Consolation hat einen kantilenartigen Vokalstil. Diese Consolation hat die älteste Entstehungsgeschichte, da sie aus dem „Madrigal“ der früheren fünften Fassung der Consolations überarbeitet wurde. Im Vergleich zum früheren Madrigal ist diese Consolation kürzer und umfasst 56 Takte gegenüber 69 Takten des Madrigals;

Sie weist mehrere Abschnitte mit ähnlichen Melodien auf; sie verwendet einfachere Harmonien und ist rhythmisch weniger streng.

Consolation Nr. 6. Allegretto sempre cantabile

Die sechste und letzte Consolation steht in E-Dur. Sie ist zunächst mit „Allegretto sempre cantabile“ überschrieben und mit insgesamt 100 Takten die längste der Consolationen. Sie ist die technisch anspruchsvollste. Carl Lachmund, einer von Liszts Schülern, beschrieb das Stück als charakteristischer für Liszts Stil als die bekanntere dritte Consolation in Des-Dur. Lachmund gibt Einblick in Liszts Spielweise der Trost-Konsonanz und schreibt:

Er [Liszt] spielte jede Note der Melodie, als wäre sie ein bedeutungsvolles poetisches Wort. Dieser Effekt wurde dadurch verstärkt, dass er für jede Note den Daumen benutzte und dabei die Hand träge sinken ließ. Er verweilte hier und da einen Moment lang wie in Trance auf einer Note und setzte die Bewegung dann fort, ohne dass der Rhythmus gestört wirkte. Ich erinnere mich nicht mehr an die genauen Takte, in denen er dies tat; aber schon damals hatte ich das Gefühl, dass er es bei jeder Aufführung des Stücks an einer anderen Stelle tat.

(Quelle: Wikipedia)

En rêve

En rêve („Im Traum“) ist Nocturne von 1885. Bei der wohlgeformten, von gebrochenen Akkorden begleiteten Melodie denkt man zunächst an Chopin. Anders als so viele Stücke aus Liszts Spätwerk erzählt diese kleine Kostbarkeit nicht von Desillusionierung oder Trostlosigkeit, sondern von Bejahung und Versöhnung.

Stimmungsbilder Op. 9

Die Stimmungsbilder Op. 9 wurden zwischen 1882 und 1884 komponiert, als Strauss noch ein Teenager bzw. war (er war damals 18–20 Jahre alt). Die erste Veröffentlichung erfolgte jedoch erst 1903. Es handelt sich um ein frühes Opus, das Strauss' jugendliche Experimentierfreude widerspiegelt.

Die Sammlung besteht aus fünf impressionistischen Klavierstücken, die Stimmungen und Bilder aus der Natur evozieren – der Titel Stimmungsbilder deutet bereits darauf hin. Die einzelnen Sätze lauten:

1. Auf stillen Waldespfaden – eine meditative Wanderung durch den Wald.

2. An einsamer Quelle – inspiriert von der Ruhe einer Quelle.

3. Intermezzo – ein lebhafteres, spielerisches Stück.

4. Träumerei – eine traumhafte, introspektive Fantasie.

5. Heidebild – eine Darstellung der Heidelandschaft.

Inspiriert sind die Stücke von der romantischen Klaviertradition, insbesondere von Komponisten wie Robert Schumann und Felix Mendelssohn, deren lyrische und programmatische Elemente Strauss aufgreift. Sie spiegeln Stimmungen der Natur und innerer Reflexion wider, ohne eine explizite literarische Vorlage, und markieren Strauss' Übergang von klassischen zu moderneren Ausdrucksformen.

Strauss' Klaviermusik ist im Vergleich zu seinen symphonischen Dichtungen, Opern oder Liedern eher peripher in seinem Gesamtwerk – er komponierte sie hauptsächlich in seiner Jugendphase und wandte sich später stärker dem Orchester zu. Dennoch hat sie historische und musikalische Bedeutung: Sie demonstriert seine frühe Meisterschaft in der Miniaturform und Einflüsse von Brahms, Schumann und Liszt. Werke wie Op. 9 gelten als attraktive Beispiele für romantische Klavierliteratur und bieten Einblicke in Strauss' stilistische Entwicklung. Insgesamt umfasst Strauss' Klavieroeuvre etwa ein Dutzend Opusnummern, aber es wird oft als "unterbewertet" betrachtet, da es nicht den innovativen Glanz seiner späteren Werke erreicht.

Die Stimmungsbilder Op. 9 werden nicht so häufig gespielt wie Strauss' populäre Orchesterstücke (z. B. Also sprach Zarathustra). Sie tauchen gelegentlich in Recitals mit Fokus auf romantische Klaviermusik oder Strauss-Sammlungen auf, oft in Aufnahmen oder Konzerten mit weniger bekannten Werken. Es gibt mehrere professionelle Einspielungen aber im Standardrepertoire ist das Werk eher selten. Es eignet sich gut für thematische Programme zu Naturmotiven oder jugendlichen Kompositionen, wo es frische Akzente setzt.

(Quelle: Grok)

Klaviersonate Nr. 32 c-Moll op. 111

2. Satz: Arietta – Adagio molto semplice e cantabile

Beethovens letzte Klaviersonate op. 111, entstanden in den Jahren 1821/22, markiert einen absoluten Höhepunkt seiner späten Schaffensphase. Nach dem stürmischen, dramatischen ersten Satz in c-Moll folgt als zweiter und abschließender Satz eine himmlische Arietta in C-Dur – ein schlichtes, fast hymnenartiges Thema von erhabener Einfachheit und inniger Sanglichkeit. Aus diesem scheinbar bescheidenen 16-taktigen „kleinen Lied“ entfaltet Beethoven eine Kette von Variationen, die zu einer der visionärsten und transzendentesten Musik seiner Zeit werden. Die Variationen steigern sich allmählich: Von ruhiger Kontemplation über tänzerische Leichtigkeit und swingende Rhythmen (manche hören hier sogar Vorgriffe auf Jazz!) bis hin zu ekstatischen Trillern und einer strahlenden Coda, die in ferne Sphären aufzusteigen scheint.Viele Interpreten und Hörer empfinden diesen Satz als Beethovens musikalischen Abschied – eine Meditation über Zeit, Ewigkeit und Verklärung, komponiert in einer Phase völliger Taubheit. Thomas Mann ließ in seinem Roman Doktor Faustus eine Figur sagen, Beethoven habe hier bewusst auf einen dritten Satz verzichtet: „Er hat den Satz nicht geschrieben... weil er ihn für überflüssig hielt – das Werk ist zu Ende mit der Verklärung.“Dieser Satz allein, losgelöst vom ersten, entfaltet eine eigene, universelle Welt der Ruhe und des Lichts.

(Quelle: Grok)