Die Kunst, Balance zu halten: Diskussion mit Simonas Poška

Dieses Interview/Diskussion fand am 25. Mai 2025 in dem Sitz des Ars Augusta e.V, statt. Simonas Poška (S) spricht mit der Interviewerin Eleni Müller (E), die die Antworten auf einem Band aufgezeichnet hat.

S: Wie vor Gericht: Alles, was man sagt, kann später gegen einen verwendet werden (lacht).

E: Man kann alles frei sagen und nichts verbergen. Wir stehen hier für Meinungsfreiheit. Beginnen wir also mit der ersten Frage: Wie sieht die Musikausbildung in Litauen aus? Haben Sie das Gefühl, dass Ihr Land Sie gut unterstützt?

S: Ja, auf jeden Fall. Es gibt viele großartige Lehrer, die sich wirklich engagieren und bereit sind, viel mehr zu arbeiten, als offiziell von ihnen verlangt wird. Ich habe auch das Gefühl, dass immer mehr Menschen Instrumente lernen, nicht weil sie eine professionelle musikalische Laufbahn einschlagen wollen, sondern einfach aus Spaß und echtem Interesse. Als ich vor fünf Jahren in Deutschland anfing, stellte ich fest, dass es viele „Amateure“ gab – Leute, die ein Instrument ein wenig spielen konnten und sich mit klassischer Musik gut auskannten: Sie wussten über Komponisten Bescheid, was eine Sonate, eine Sinfonie oder ein Orchester ist. Aus meiner Kindheit in Litauen hatte ich den Eindruck, dass sich nicht viele Menschen an klassische Musik „wagten“, es gab nicht viele Amateure, Hauskonzerte waren früher eine Seltenheit … Das ändert sich jetzt: Immer mehr Menschen lernen aus echtem Interesse und zum Spaß – die Kluft zwischen „elitären“ Profis und einfachen Musikliebhabern schrumpft rapide.

E: Was meinen Sie mit „jetzt“? Wann begann dieser neue Trend?

S: Schwer zu sagen, vielleicht in den letzten fünf oder sieben Jahren – diese Dinge entwickeln sich sehr schleichend … Obwohl ich sehr oft in Litauen bin, lebe ich noch nicht wirklich dort, daher ist es schwer zu sagen. Aber durch Beobachtung, Gespräche mit meinen litauischen Kollegen und den Versuch, so gut wie möglich den Puls der Zeit zu fühlen, spüre ich, dass sich diese Tendenz abzeichnet, und das ist großartig.

(Photo: Jonas Šopa)

E: Halten Sie all diese Amateurmusiker, die Musik nicht lernen, um Profis zu werden, sondern einfach nur aus Spaß, für eine gute Entwicklung?

S: Ich denke schon. Nicht nur ist das Publikum dadurch sachkundiger, sondern ich glaube auch, dass sich etwas in ihrem Geist und ihrer Gefühlslage verändert, wenn es den Menschen gelingt, klassische Musik tief zu erleben – das kann therapeutisch sein. Aber aus Sicht der Konzertsäle und der Besucherzahlen könnte es auch einfach mehr Publikum bedeuten – mehr Musikliebhaber. Sie erkennen vielleicht die Komponisten oder Stücke – es ist viel einfacher, etwas zu verstehen, wenn man es bereits kennt.

E: Ich möchte Sie darüber informieren, dass in Deutschland in den letzten Jahren viele Projekte zur Förderung des Amateurmusikertums ins Leben gerufen wurden. Projekte, Fördermittel und sogar Musikakademien konzentrieren sich darauf, Musiklehrer für Kleinstädte auszubilden, die einfachen Leuten Musik beibringen, Amateurensembles gründen und sie bei ihren Tourneen im Ausland unterstützen. Vielleicht ist das ein globaler Trend.

S: Vielleicht ja. Aber ich wollte sagen, dass es in Litauen einige der großartigsten Lehrer gibt, die (wie gesagt) sehr engagiert sind und sich aufopfern. Aber an manchen Institutionen gibt es leider immer noch einige sehr schlimme Tendenzen, die auf die Sowjetzeit zurückgehen: Lehrer vergleichen ihre Schüler miteinander und beleidigen sie manchmal sogar. Manche Lehrer sagen einem Schüler: „Du wirst nichts erreichen“, und wenn er dann doch etwas erreicht, sagen sie: „Oh, ich habe dir beigebracht, ein dickeres Fell zu haben.“

Oft schaffen es unglaublich talentierte Schüler, die psychisch sensibler sind, nicht an die Spitze, nur wegen solcher Beispiele für sehr harten Unterricht.

Anstatt den Schülern zu helfen, Fortschritte zu machen, schürt dies Ressentiments und Hass gegenüber der Musik.

E: Glauben Sie, dass Lehrer in Deutschland nicht so sein können?

S: Meiner Erfahrung nach sprechen Lehrer in Deutschland viel mehr über Stress und wie man damit umgeht. Aber es kann auch ins andere Extrem gehen. Denn wenn man so frei ist und alles erlaubt ist, kann es auch dazu führen, dass Schüler sich ihrer mangelnden Disziplin usw. nicht bewusst sind. Andererseits ist dieser übermäßige Druck, diese Überforderderung und das Überfordern schlimmer, weil Menschen emotional zerstört werden, obwohl sie vielleicht sogar talentierter sind als andere. Vielleicht brauchen sie, wenn sie noch jung sind und sich noch entwickeln, nur ein paar aufmunternde Worte, und das könnte ihre Zukunft bestimmen und ihnen helfen, ihr Potenzial auszuschöpfen.

E: Ich hatte eine ähnliche Geschichte mit einem solchen Lehrer in Deutschland. Er war 80 Jahre alt, ein berühmter Bariton. So ist es also nicht nur in der Sowjetunion. Es ist eine alte Künstlergeneration, und manchmal fehlt großen Solisten auch die nötige Sensibilität für einen Lehrer.

S: Das Problem, wenn man alle strikt durch das gleiche System laufen lässt: Anstatt die Unterschiede jedes Einzelnen anzuerkennen, vernachlässigt man oft seine Stärken.

Manche Schüler sind von Natur aus sehr zäh und brauchen jemanden, der hart zu ihnen steht, um Fortschritte zu machen. Andere, sensiblere, reagieren jedoch abgestoßen, wenn sie mit Beleidigungen und Unhöflichkeit konfrontiert werden. Leider passiert das an manchen Schulen in Litauen immer noch. Ich hatte das große Glück, einen Lehrer (Lehrerin) zu haben, die auch in dieser psychologischen Hinsicht großartig war, obwohl ich nicht derjenige war, der so leicht zusammenbrach.

E: Hast du das also bei anderen Künstlern bemerkt?

S: Ich habe Freunde, die zusammengebrochen sind, nur weil die Lehrer ihre psychische Situation in dem Moment nicht erkannt haben und sie mit jedem Kommentar runtergezogen haben. Und weißt du, als Kind entwickelt man sich noch, man glaubt, was die Professoren sagen, und nimmt alles persönlich – der Lehrer ist fast wie ein Elternteil. Und wenn diese Autoritätsperson anfängt zu sagen: „Mit diesem Spiel kannst du deine Klavierkarriere beenden“, oder „Als Lehrer schäme ich mich, dich zu einem Wettbewerb zu schicken“, oder „Du bist nichts im Vergleich zu deinen Klassenkameraden“, dann kann ein junger, sensibler Künstler sehr leicht zusammenbrechen. Bei manchen funktioniert das, wie gesagt, aber definitiv nicht bei allen. Trotzdem verbessert sich meiner Meinung nach die Situation – es gibt immer mehr humane Lehrer, die kompetent und gleichzeitig einfühlsam sind. Leider glauben einige Lehrer der „älteren Generation“ immer noch, sie könnten ihre Autorität missbrauchen, um die Schüler zu beleidigen und zu manipulieren. Vielleicht sind sie selbst so erzogen worden und haben keine andere Art des Unterrichtens erlebt, das ist schwer zu sagen…

E: Meinst du Musiker, die vor ihrer Lehrtätigkeit gute Pianisten waren, oder Musiker, die von Anfang an Pädagogen waren? Denn es gibt Künstler, die eine großartige Karriere als Solisten gemacht haben und am Ende ihres Lebens an einer Universität lehren. Das heißt nicht, dass sie gute Lehrer sind. Pädagogik ist eine Begabung, nicht jeder kann Lehrer sein.

S: Das stimmt. Es gibt auch Fälle, in denen Musiker es als Solisten nicht geschafft haben und dann als Ausweichmanöver den Unterricht übernommen haben – etwas, das sie vielleicht nicht wollten, aber tun mussten. Oft denken sie, dass sie viel mehr verdienen als zu unterrichten, dass sie besser sind als das, und lassen möglicherweise einen Teil ihrer Frustration an ihren Schülern aus. Generell ist die Pädagogik ein sehr junger Beruf. Früher galt: Wer gut musiziert, muss auch gut unterrichten können, das war selbstverständlich. Aber heute verstehen die Leute, dass das nicht immer der Fall ist.

E: Dies ist Ihr Interview, aber meine Geschichte bestätigt, dass der beste Lehrer in meinem Leben ein Künstler war, der selbst sehr sensibel war und im Laufe seines Lebens viele emotionale Schwierigkeiten erlebte. Deshalb unterstützte er seine Schüler auch emotional sehr, und die meisten von ihnen erzielten tatsächlich große Erfolge. Das war der Bariton Kostas Paschalis in Griechenland. Der zweite großartige Lehrer, den ich traf, war in Italien, es war Sherman Lowe in Venedig, ebenfalls Bariton. Er gab seine eigene Karriere auf (vielleicht weil er eine kleine Stimme hatte), um sich dem Unterrichten zu widmen. Und er studierte die menschliche Stimme wissenschaftlich, unterstützte seine Schüler und reiste sogar zu ihren Konzerten, um zu sehen, wie sie auf der Bühne abschnitten. Er hatte auch einige der erstaunlichsten Schüler seiner Karriere. Es ist ein Talent, Lehrer zu sein!

S: Ja, da stimme ich zu, und leider verstehen das nicht alle Lehrer.

E: Und viele Schüler wissen das nicht, deshalb ist es gut, dass wir dieses Interview führen.

S: Aber die Schüler und Schülerinnen, während sie in der Schule sind: Woher sollen sie das wissen? Lehrer zu sein, ist eine große Verantwortung, besonders wenn man Kinder unterrichtet. Aber wenn man seine Position nur ausübt, um sein Ego zu befriedigen, indem man die Hoffnungen einiger junger Kinder zerstört, ständig angibt und generell ständig „es besser wissen“ will, egal wen man unterrichtet, dann ist das sehr hart. Glücklicherweise macht Litauen große Fortschritte, und ich habe das Gefühl, dass es dafür nur noch wenige Beispiele gibt. Ich finde es einfach wichtig, darüber zu sprechen, damit mehr Menschen dieses Verhalten erkennen.

E: In allen Handbüchern über narzisstische Störungen und ihre Opfer steht: Wenn man Anzeichen von psychischem Missbrauch sieht und jemand versucht, einen klein zu halten, sollte man sofort gehen. Narzisstische Wesen können sehr destruktiv sein. Das heißt, die Eltern der Schüler müssen wissen: Wenn das Kind weinend und unglücklich nach Hause kommt, soll der Lehrer sofort gestoppt werden! Nein?

S: Ja, das bedeutet, dass etwas nicht funktioniert. Ich freue mich sehr, dass sich Litauen nach jahrzehntelanger Besatzung rasch von der sowjetischen Schule des Klavierunterrichts entfernt, die sehr selektiv ist. In Deutschland zum Beispiel ist man meiner Meinung nach viel weniger selektiv – selbst wenn man sensibler oder vielleicht sogar weniger begabt ist, bekommt man eine Chance und wird mit Respekt behandelt.

E: Dass die Standards in Deutschland gesunken sind, ist eigentlich gut. Vor 20 Jahren war Deutschland überall Champion, heute weniger …

S: Basketball ist jetzt sehr gut …

E: Ja, aber wissen Sie, sie haben einerseits die Meisterschaft verloren, andererseits sind sie offener für neue Leute, integrativer, und das ist auch gut so. Eigentlich ein Wert. Man gibt auch Außenseitern die Chance, etwas zu bewegen. Ich meine, in diesem Land hatte ich als völlige Außenseiterin die Möglichkeit, einen Liedwettbewerb zu gründen! Wo sonst wäre das möglich?

S: Da stimme ich zu. Aber natürlich liegt es auch in der Verantwortung eines Lehrers, auf die eine oder andere Weise die Realität zu vermitteln, damit der Schüler nicht mit Wahnvorstellungen aufwächst: Wenn ein Lehrer sieht, dass ein aufstrebender Schüler in die Branche einsteigt und beispielsweise eine Karriere als Pianist anstrebt, muss er den Schüler irgendwann darüber informieren, wie die Branche ist, wie der Kontext ist, welche Wahrheiten hinter den Wettbewerben stecken, wie die Manager sind und so weiter. Aber auch hier gibt es verschiedene Möglichkeiten, es verschiedenen Schülern zu vermitteln. Wenn man immer nur sagt: „Du wirst es nicht schaffen, du bist zu schwach dafür“, dann ist es sehr schwierig … Wer weiß, vielleicht wird der Schüler zum Beispiel ein großartiger Liedpianist. Das ist ein sehr spezielles Genre.

Erfolg bedeutet nicht, dass man nur als Solist auftreten muss – es geht darum, seinen eigenen Weg zu finden.

E: Zurück zur ersten Frage. Sind Sie also mit Ihrer Ausbildung in Litauen zufrieden?

S: Auf jeden Fall. Ich besuchte die Nationale M. K. Čiurlionis-Kunstschule, wo ich eine umfassende Ausbildung (Musik und Allgemeinbildung) erhielt. In der Schule wurde ich gut gefördert und hatte natürlich eine großartige Lehrerin.

E: Wer war das?

S: Eglė Jurkevičiūtė-Navickienė. Ich hatte ab der zweiten Klasse meiner Schule Unterricht bei ihr, seit ich neun Jahre alt war, und studierte dann die nächsten elf Jahre bei ihr.

E: Sie haben mit neun Jahren angefangen, Klavier zu spielen?

S: Nein, mit 7, bei einer anderen Lehrerin, aber sie ging in Mutterschaftsurlaub, also wechselte ich zu Eglė, bei der ich schließlich blieb.

E: Erzählen Sie uns von dieser Lehrerin, die, wie ich verstehe, eine Art „ideale Lehrerin“ ist. Warum?

S: Zunächst einmal ist sie eine wahre Künstlerin. Sie entwickelt Intuition und konzentriert sich auf den Sinn. Sie ist unglaublich engagiert – wenn sie Potenzial in jemandem sieht, setzt sie sich mit ganzem Herzen dafür ein, es zu erreichen. Einmal bereitete ich mich auf einen Wettbewerb vor, und sie gab mir jeden Tag vor dem Wettbewerb Unterricht: sieben Stunden pro Woche!

E: Privat oder in der Schule?

S: In der Schule.

E: Und hat sie das auch mit anderen Schülern gemacht?

S: Ich weiß nicht. Wenn Schüler wichtige Konzerte oder Wettbewerbe haben, arbeitet sie zusätzlich. Aber ich verstehe auch, dass das nicht immer mit allen möglich ist – sie muss sich ja auch schonen, wissen Sie, das sind Überstunden.

E: Gehen Sie noch zu ihr zum Unterricht?

S: Das mache ich eigentlich fast jeden Monat. Ich spiele immer noch für sie.

E: Ist sie also die beste Lehrerin in Ihrem Leben?

S: Ich weiß nicht, ich studiere noch und habe bis heute großes Glück mit den Lehrern, die ich hatte. Aber bei Eglė war ich am längsten, und sie hat mir im Grunde alles gegeben. Sie hat meine Intuition geformt, meine Instinkte entwickelt, mein eigenes, individuelles Gehör. Sie hat mich immer ermutigt: „Versuche zu finden“, „suche weiter“, und wenn sie sah, dass ich in eine seltsame Richtung ging, hat sie mich sanft wieder zurückgedrängt, aber nicht mit „mach das und nur das“.

E: Gibt es in ihrer Klasse noch mehr gute Pianisten wie Ihnen?

S: Ja, aber das ändert sich ständig. Manche Lehrer sind ständig auf verschiedenen Festivals, geben Meisterkurse auf der ganzen Welt und haben daher viele Kontakte. Viele Schüler gehen nur wegen dieser Kontakte zu ihnen, aber das bedeutet nicht automatisch, dass sie gut unterrichten und für jeden geeignet sind. Meine Lehrerin macht keine Werbung für sich, sondern erledigt still und leise ihre Arbeit an der Schule. Ich habe das Gefühl, dass ihr mittlerweile immer mehr Schüler vertrauen, aber es könnten noch mehr werden…

Ich glaube, man erkennt gute Lehrer daran, wie sie mit durchschnittlichen Schülern umgehen: Wenn sie es schaffen, deren Potenzial zu maximieren und sie auf ein Niveau zu heben, das weit über das hinausgeht, was man normalerweise erwarten würde, dann ist das definitiv ein Zeichen für einen hervorragenden Lehrer.

Denn die sehr talentierten werden wahrscheinlich immer noch gut sein, egal, wer der Lehrer ist. Aber wenn man weniger begabt ist und der Lehrer es trotzdem schafft, einen großartig aussehen zu lassen, dann ist das unglaublich.

E: Wir sind noch bei der ersten Frage. Glaubst du, dass es auch vom Schüler abhängt, das Beste aus seinem Lehrer herauszuholen? Du hast gesagt, viele Musiker schätzen einen guten Lehrer nicht, und manche schätzen ihn, wie du. Der richtige Schüler ist also der richtige Lehrer; sie finden einander, sie arbeiten gut zusammen, aber es ist nicht für jeden gleich.

S. Absolut. Es hängt von vielen Dingen ab, wie Spielstil, Charakter und in welchem ​​Stadium der Reise sich der Schüler befindet. Manchmal passen die Persönlichkeiten einfach nicht zusammen. Wenn man nicht zusammenpasst, passt man eben nicht – das ist nichts Persönliches. Es gibt Fälle, in denen Schüler Angst haben, den Lehrer zu wechseln, weil der Lehrer das als persönliche Beleidigung auffassen würde – es würde ihrem Ruf vor den Kollegen schaden … Lehrer manipulieren ihre Schüler, damit sie bleiben, was natürlich nicht das Beste für sie ist. Ähnlich verhält es sich mit dem Unterricht bei anderen Lehrern.

E: Sprechen Sie von einer persönlichen Erfahrung?

S: Nein, wie gesagt, ich bin bei meiner Lehrerin geblieben, weil wir uns sehr gut verstanden haben, aber ich habe von solchen schrecklichen Fällen bei anderen gehört und sie sogar selbst erlebt.

(Photo: Jonas Šopa)

E: Kommen wir zur nächsten Frage. Sie haben einmal gesagt, dass Sie nach Abschluss Ihres Studiums zurückkehren und in Litauen leben möchten. Warum zieht Sie Litauen so an und was gibt es Ihnen? Sie lieben Ihre Heimat sehr und möchten die Verbindung zu ihr nicht abbrechen?

S: Ich liebe meine Heimat sehr, und die Verbindung zu meinen Wurzeln bedeutet mir sehr viel. Das gibt mir Stabilität, und auch wenn ich nicht dort lebe, ist es mir sehr wichtig, dass ich in meinem Land weiterhin gebraucht werde, dass ich weiterhin zu Konzerten und anderen Aktivitäten wie Theateraufführungen und zum Synchronisieren von Filmen eingeladen werde. Die litauische Kulturszene ist noch relativ jung und entwickelt sich ständig weiter. Ich bin auf eine sehr anspruchsvolle Schule gegangen – die Nationale M. K. Čiurlionis-Kunstschule – mit einer großartigen Lehrerin. Jetzt möchte ich meinem Land etwas zurückgeben. Ich möchte Teil dieser Kulturszene sein, sie sichtbarer und attraktiver für internationale Künstler machen und ganz allgemein …

E: Sie spüren also dieses nationale Element in Ihrer Persönlichkeit, dass Sie Litauer sind …

S: Auf jeden Fall.

E: Und Sie möchten (wie Sie sagten) zum Wachstum und zur zukünftigen Entwicklung Ihres Landes beitragen.

S: Ja, weil ich das Gefühl habe, dabei helfen zu können, und deshalb möchte ich ein Teil davon sein. Ich studiere derzeit im Ausland und werde das wahrscheinlich noch viele Jahre tun, aber nach all den Reisen möchte ich unbedingt nach Litauen zurückkehren. So ist mein Gefühl im Moment. Aber abgesehen von all den Gefühlen wird es für Künstler einfach immer besser: die Infrastruktur, das Bewusstsein des Publikums, wie ich schon sagte, mehr Menschen sind gebildet und es gibt so viele talentierte Menschen. So viele! Diese Ansicht, man müsse seine gute Arbeit im Stillen verrichten, ist wirklich (lächelt) … sie hilft nicht immer. Ich würde sagen, Litauer sind eher zurückhaltend; wir werden nicht immer dazu ermutigt, hervorzustechen, aber trotzdem entsteht ständig so viel herausragende Kunst, so viele einzigartige Künstler! Und doch schätzen sie sich leider oft selbst zu gering ein oder haben vielleicht zu viel Angst, arrogant zu wirken, und sprechen deshalb nicht laut genug über ihre Erfolge, sie feiern sie nicht. In manchen westlichen Ländern „schreien“ die Leute oft, obwohl sie viel weniger geleistet haben. Das ist natürlich die andere Seite – man muss auch Respekt haben und Grenzen verstehen. Litauer sind meist gut darin, bescheiden zu sein, aber Bescheidenheit bedeutet nicht unbedingt, zu schweigen und seine Erfolge nicht zu feiern – leider wird es meistens niemand für einen tun, und das eigene Talent und die eigene Kunst bleiben möglicherweise unentdeckt.

Deshalb möchte ich den Menschen helfen zu verstehen, dass sie viel besser sind, als sie denken, und dazu beitragen, litauische Künstler bekannter zu machen.

E: Diese Fragen und Antworten haben mir gezeigt, dass Sie sich nicht nur auf sich selbst und Ihre Karriere konzentrieren, sondern auch ein Bewusstsein für andere Künstler haben und den Künstlern Ihres Landes einen Weg aufzeigen möchten.

S: Und die Verantwortung, meinem Land, in dem ich aufgewachsen bin, etwas zurückzugeben.

E: Jemand hat Ihnen etwas gegeben, und Sie geben etwas zurück oder geben es an andere jüngere Künstler weiter.

S: Ja. Zum Beispiel kamen kürzlich nach einem Konzert in Litauen zwei jüngere (vielleicht fünf Jahre jüngere) Schüler zu mir und sagten: „Wir lernen Klavier an der örtlichen Schule und waren sehr froh, zum Konzert zu kommen. Wir wollten uns einfach bedanken.“ Ich erinnere mich, dass ich das selbst getan habe – als Schüler ging ich nach Konzerten immer zu den Künstlern und bedankte mich, und jetzt sehe ich, wie die jüngere Generation dasselbe tut. Sie waren sehr offen (eigentlich sehr charakteristisch für die junge litauische Generation – sie sind sehr mutig und selbstbewusst). Ich lud sie zum Abendessen ein, und später fragten sie, ob sie am nächsten Tag ein Vorspielen bei mir machen könnten. Ich musste zwar schon recht früh am Morgen los, aber trotzdem schon ab 8 Uhr, hatte ich eine Stunde Zeit und sagte deshalb zu. Mir war das wichtig – etwas zurückzugeben ist entscheidend.

E: Wunderbar. Du hast offensichtlich einen guten Kontakt zu deinem Publikum, das sieht man an der Geschichte dieser beiden jungen Musiker. Wie denkst du über dein Publikum? Ist es so: „Dieser Fremde da drüben macht mir Angst?“

S: Ich habe keine Angst vor dem Publikum. Es ist ein entscheidender Teil des Live-Musikerlebnisses, und ich erkenne die Bedeutung des Publikums an; ich danke den Leuten.

E. Welche Bedeutung hat das Publikum?

S: Bei einem Live-Auftritt entsteht eine Art Bindung: Als Zuhörer weiß man, dass jeder Moment in Echtzeit passiert, nicht rückgängig gemacht werden kann und man gemeinsam dabei ist, man erlebt es gemeinsam mit anderen. Im Idealfall ist sich der Künstler dessen bewusst und pflegt diese Bindung aktiv. Vieles muss stimmen, aber wenn die Verbindung erst einmal da ist, kann sie unglaublich kraftvoll sein. Sie strahlt enorme Energie aus, die sich auf das Spiel des Künstlers und auch auf das Publikumserlebnis auswirkt. Ich glaube, diese Art der Kommunikation ist die Essenz und die Magie von Live-Musik. Deshalb gehen die Leute auch zu Konzerten, anstatt nur Aufnahmen zu hören.

E: Heißt das, Sie schätzen Live-Konzerte mehr als Aufnahmen?

S: Nein, nicht unbedingt – es ist einfach etwas anderes. Man kann Aufnahmen immer wieder abspielen und weiß, was man bekommt. Aber unglaublicherweise funktioniert es jedes Mal anders: Beim zweiten Hören hört man vielleicht mehr Details, vielleicht erwartet man bestimmte Dinge, vielleicht sehnt sich das Gehirn immer wieder nach einer bestimmten Aufnahme, oder manchmal möchte man einfach nur mit der Musik allein sein, irgendwo, wo es keinen Saal gibt … Es ist einfach eine andere Art des Erlebens, eine andere Art des Zuhörens.

E: Sie scheinen sehr positiv eingestellt zu sein. Alles ist gut für Sie ... außer schlechte Lehrer, die Schüler zerstören.

S: Nicht alles ist gut. Ich habe auch über viele Probleme gesprochen ...

E: Zum Beispiel manche Pianisten wie Gould bevorzugten Tonaufnahmen, und Richter hatte Probleme mit dem Publikum, aber dir gefällt alles.

S: So ist es.

E: Kommen wir zu einer anderen Frage. Fühlen Sie zu manchen Komponisten eine stärkere spirituelle Verbindung als zu anderen?

S: Ja, aber das ändert sich auch sehr oft, denn man wächst und entwickelt sich als Mensch ständig weiter. Meine Interessen kommen in Wellen, und es ist ein Privileg, so viel unterschiedliche Musik zu haben, die in verschiedenen Lebensphasen unterschiedlich wirkt. Mal genieße ich eine „Bravuröse“ – sehr virtuose und prunkvolle Musik, mal brauche ich eine sehr feierliche, einsame und ruhige Musik. Komponisten, die mir jedoch am meisten im Gedächtnis bleiben, sind Messiaen, Liszt, Bach und … ja … und Beethoven. Es gibt so viele andere, und sie wechseln sehr oft …

E: Es gibt gute Freunde, von denen wir sagen: Ich möchte sie mein Leben lang behalten, bei anderen Menschen, ok, man trifft sie, man verbringt ein paar Jahre mit ihnen, und dann gehen sie. Es gibt diese „Seelenverwandte“. Sie haben Messiaen, Liszt und Bach erwähnt. Sind alle drei mit so etwas wie Religion verbunden? Beethoven war vielleicht nicht religiös, hatte aber dennoch ein strenges Ethos. Wenn sich jemand in seinem Umfeld unethisch verhielt, wurde er sehr wütend. Seine einzige Oper „Fidelio“ wurde geschrieben, um Treue zu zelebrieren. Bestätigen Sie, dass diese spirituellen Werte auch für Sie wichtig sind? Sind Sie wie sie?

S: … (denkt nach) … ja. Für mich ist Spiritualität immer da, wenn man sich ehrlich der Musik nähert. Es ist etwas, das wirklich schwer zu beschreiben ist, aber wenn es da ist, fühle ich es. Wenn man diesen Zustand erreicht, in dem die eigene Vorstellungskraft und Intuition völlig frei sind, spürt man jede Nuance, man „spricht zum Publikum“, man fühlt, dass es zuhört, man fühlt sich, als wäre man mitten im Stück, im Gemälde, in der Szene … Dann spüre ich eine Art „Spiritualität“ – es ist, als würde man mit höheren Mächten sprechen, oder als würden diese Mächte durch mich sprechen. Meiner Meinung nach hat Musik sicherlich eine tiefere Wirkung, denn sie ist eine unglaublich starke Quelle von … wie auch immer man es nennen will: Kraft, Lebendigkeit, Energie, Spiritualität … Wenn man diese Quelle erlebt, will man dorthin zurückkehren, man will immer mehr – wie eine Suchtdroge.

E: Aber Drogen sind etwas Negatives. Sie zerstören dich. Musik zerstört dich nicht.

S: Da stimme ich zu, aber Drogen können dich auch heilen, und die Menschen brauchen mehr Gesundheit … (lacht). Übrigens glaube ich, dass Musik dich auch zerstören kann: Du kannst dich so mitreißen lassen, dass du den Realitätssinn verlierst und nicht mehr verstehst, was real ist und was nicht. Das ist Künstlern im Laufe der Geschichte schon passiert, aber das sind natürlich sehr seltene Fälle. Insgesamt glaube ich, dass man in gewisser Weise „süchtig“ sein muss. Vielleicht werde ich in 20 Jahren anders darüber sprechen, aber meiner Meinung nach musst du jetzt ein bisschen verrückt sein.

E: Es gibt Drogen, die die Menschen brauchen. Medikamente. Manche Menschen brauchen Musik zur Heilung, weil sie krank sind. Ich denke immer an Menschen, die nicht die Möglichkeit haben, Musik zu machen, und deswegen krank werden. Musik und auch Theater haben therapeutische Wirkungen.

S: Es ist Therapie, ja. Man drückt sich aus, man erforscht seine tiefsten Gedanken und Gefühle, und wenn man ehrlich und aufrichtig damit umgeht, wird die Kunst persönlich. Man erkundet sich selbst – man wird krank in der Musik, aber mit Musik heilt man auch. Und wenn man mit dieser wunderbaren Kraftquelle in Kontakt ist und es sogar schafft, sie mit anderen zu teilen, zum Beispiel mit dem Publikum – was will man mehr? Wissen Sie, in diesem "Gemälde" sind nicht nur Sie allein: Sie können es auch mit anderen teilen. Das beantwortet auch die vorherige Frage nach dem Publikum.

Das „Teilen“ ist eine der wichtigsten Bedeutungen von Kunst und lässt einen Kunst immer wieder anders schaffen. Dieses Teilen macht den „Tempel des Musizierens“ oder des Kunstmachens aus.

E: Kommen wir zur nächsten Frage. Du bist noch sehr jung. Aber hast du ein Ziel im Leben? Was möchtest du mit deiner Kunst erreichen? Ich denke, du hast es bereits beantwortet.

S: Als ich jünger war, habe ich nicht viel über "Balance halten" nachgedacht. Ich bin irgendwie verrückt – wenn ich mich für etwas interessiere, werde ich oft besessen – ich widme mich voll und ganz dieser einen Sache. Sei es eine Komposition, ein Theaterstück – oft vertiefe ich mich so sehr darin, dass ich alles andere opfere … Momentan glaube ich noch nicht, dass es möglich ist, ehrliche, hochwertige Kunst ohne 100-prozentige Hingabe zu schaffen, aber ich werde älter und möchte eine Balance zwischen Theater, Musik und meinem Privatleben finden.

E: Ist diese Balance ein Ziel?

S: Ja. Und ich muss sagen, je älter ich werde, desto wichtiger ist mir mein Privatleben – meine Familie, meine Lieben … Ich möchte irgendwie die Balance finden und nicht zu viel opfern müssen. Klar, das ist naiv – normalerweise ist immer ein gewisser Verzicht damit verbunden – aber niemand hält mich davon ab, es zumindest zu versuchen.

Kunst und Leben überschneiden sich oft, aber meiner Meinung nach sollte es dennoch für beides einen eigenen Raum geben.

Natürlich könnte man sagen: Kunst ist Leben, klar, aber ich glaube nicht, dass das immer so sein kann. Früher war mein Leben „reine Kunst“, aber jetzt sehe ich das anders.

E: Bleiben wir beim Thema „Leben und Musik“. In seinem autobiografischen Buch „Martin Eden“ trifft Jack London eine Musikerin und fragt sie: „Was bedeutet Musik für dich?“ Und sie antwortet: „Musik ist mein Leben“ – er fand diese Antwort sehr enttäuschend, sehr, sagen wir, „bürgerlich“. Kunst und Leben, Menschen wie Jack London und Künstler, die nur an Studium, Diplome, Konzertsäle und Karriere denken … Welche Verbindung besteht für dich zwischen deiner Musik und deinem Leben?

S: Das ist eine sehr schwierige Frage.

E: Ich weiß. Antworte spontan. Brauchst du noch etwas Wein?

S: Ich kann das nicht so einfach beantworten … Ich habe in der vorherigen Frage bereits gesagt, dass Privatleben und kreatives Leben ihren eigenen Raum haben müssen, auch wenn sie in vielerlei Hinsicht miteinander verbunden sind. Trotzdem finde ich, dass sie ihre eigenen Räume in deinem Kopf haben sollten. Abgesehen davon wird deine Kunst von deinem Privatleben inspiriert, und das ist eine der Arten, wie sie miteinander verbunden sind. Man kann sie nicht vollständig trennen, aber man könnte verrückt werden, wenn man das eine oder das andere aufgibt, zum Beispiel, wenn man sein ganzes Leben nur der Kunst widmet.

E: Ich glaube, du würdest dann das Leben vermissen. Okay, genug der Philosophie. Was sind deine nächsten Pläne für dieses und nächstes Jahr, konkret? Auch deine persönlichen Pläne?

S: Ich werde nicht alle meine kreativen Pläne nennen, da sie wohl nicht in Erfüllung gehen werden (lacht), aber ich habe weiterhin einen intensiven Konzertplan, worüber ich mich freue. Letztes Jahr habe ich 70 Konzerte gespielt, so viele wie noch nie in einem Jahr, und einige dieser Konzerte waren auch die größten und wichtigsten meines Lebens. Dieses Jahr geht es in eine ähnliche Richtung. Ich habe Auftritte in Frankreich, Deutschland, Italien, Litauen, den Niederlanden, Polen und der Schweiz. Außerdem schreibe ich an einem neuen Stück. Ich habe einen Kompositionsauftrag bekommen, der nächstes Jahr uraufgeführt werden soll. Mehr kann ich dazu nicht sagen, das ist Teil meiner Vereinbarung.

E: Und dein Privatleben? Deine Eltern, deine Freundin, deine Freunde?

S: Ich habe vor, das, was ich habe, zu bewahren und zu würdigen.

E: Hast du viele Freunde?

S: Ja, aber ich bin eher ein privater Mensch. Obwohl ich sehr gesellig sein kann, kann ich nicht sagen, dass ich ein paar Freunde habe, denen ich immer alles erzähle, außer meiner Freundin und meinen Familienmitgliedern. Aber welche Art von Freunden meinst du?

E: Du hast zum Beispiel eine Idee und kannst sie nicht alleine umsetzen. Du erinnerst dich an deine vielen Freunde und rufst sie an: „Kommt und macht mit bei meinem Plan“ …

S: Ja, absolut! Diese Menschen sind mir sehr wichtig, das sind die gleichgesinnten kreativen Menschen, mit denen wir gemeinsam eine Oper, ein Theaterstück und viele andere kreative Projekte geschaffen haben.

E: Wunderbar. Kommen wir zu den letzten beiden Fragen. Interessierst du dich für Politik? Wie siehst du die Weltlage heute? Ist es für einen Künstler wie dich wichtig, sich politisch zu engagieren, oder ist es für einen Musiker besser, in seiner Musik wie ein Mönch distanziert zu bleiben und die Politik anderen zu überlassen?

S: Ich denke, unabhängig davon, ob man politisch engagiert ist oder nicht, können die Leute einen trotzdem politisieren, wenn ihnen danach ist. Aber andererseits: Wenn man in einem Saal wie einem Präsidentenpalast spielt und Präsidenten eines bestimmten Landes im Publikum sitzen, wie können die Leute das nicht als politisch wahrnehmen? Wissen Sie, die Leute sagen: „Vermischen Sie Kunst und Politik nicht“: Ja, aber oft liegt es nicht in der Macht des Künstlers, wie seine Kunst wahrgenommen wird. Natürlich kann man als Künstler Entscheidungen treffen: Ich denke, man sollte bestimmte Positionen einnehmen, denn Künstler sind immer noch ein wichtiger Teil der Gesellschaft – sehen Sie sich einige Pop-Künstler an – manche Leute sehen sie als Götter. Sie haben so viel Einfluss und Macht, und ich denke, jeder Künstler trägt eine Verantwortung.

E: Musik transzendiert Menschen, nicht wahr?

S: Ich denke schon, aber Menschen neigen dazu, ungewollte Zusammenhänge zu erfinden oder sich vostellen und alle Informationen herauszupressen, die zu ihrer Erzählung passen könnten. Ich denke, man sollte sich dessen auch bei der Programmgestaltung bewusst sein und bedenken, dass die Leute ganz anders reagieren können, als man denkt.

E: Vielleicht kannst du mir erzählen, wie du die Dramaturgie deiner Konzerte gestaltest? Und wie du dein Repertoire auswählst?

S: Dafür gibt es viele Gründe und Kriterien, aber zunächst versuche ich zu erkennen, in welcher Lebensphase ich mich gerade befinde, in welcher künstlerischen Phase? Denn normalerweise muss ich die Stücke nicht unbedingt auswählen, sie „finden sich von selbst“ – wenn man ein bestimmtes Repertoire übt, verbindet es sich mit einem anderen. Wenn man ein Repertoire satt hat, will man ein anderes, und das kommt in Schüben. Außerdem wähle ich Stücke aus, in denen ich mich am besten ausdrücken kann, in denen ich am meisten erzählen kann. Ein weiterer wichtiger Aspekt ist der Ort, an dem ich spiele: Verschiedene Orte haben ein unterschiedliches Publikum, und verschiedene Länder bevorzugen unterschiedliche Komponisten – manche nationale Stücke (dieses Landes) oder Stücke von Komponisten aus dem eigenen Land können sehr gut funktionieren – daran denke ich immer. Ich berücksichtige auch die technischen Aspekte wie das Instrument, die Akustik, die Größe des Saals und so weiter. Für mich ist es auch wichtig, meine Programme so zu planen, dass ich nicht bei jedem Konzert völlig andere Stücke habe. Auch das ist ein wichtiger Aspekt: ​​sich seiner Fähigkeiten bewusst zu sein und es nicht zu übertreiben, damit man noch etwas Frische behält, aber man muss nicht alles opfern und sich abmühen, um es gerade so hinzubekommen. Es gibt auch eine Sache mit „frischer“ Musik, mit neuem Repertoire: Ich habe die Erfahrung gemacht, dass es, um inspiriert und meine Intuition geschärft zu sein, sehr hilfreich ist, neben den älteren Stücken auch neues Repertoire im Programm zu haben. Natürlich sind die älteren Stücke vielleicht sicherer, aber psychologisch gesehen, sorgt das neue Repertoire dafür, dass ich mich nicht nur auf das neue Stück, sondern auf das gesamte Programm konzentriere, und so bleibe ich geistig fit. Und das Wichtigste für mich ist wahrscheinlich die Gesamtdramaturgie eines Programms: Wie harmonieren die Stücke miteinander, bereitet vielleicht ein Stück das andere gut vor, wo sind die wichtigsten dramatischen Momente, ist es leicht zu verfolgen und zu verarbeiten, funktioniert es als Ganzes oder sollte es eine Pause geben? Ich versuche immer, ähnliche Fragen zu beantworten, wenn ich ein Programm zusammenstelle – das ist mir sehr wichtig.

E: Ich möchte mit einer spontanen Frage schließen, die ich nicht geplant hatte. Sie sind der Sohn eines Malers und einer Schauspielerin. Und Sie haben in diesem Interview viel über Bilder und Szenen gesprochen. Ich hatte das Gefühl, der Geist Ihrer Eltern ist Teil von Ihnen. Ihr Vater malt, und Sie sehen Ihre Kunst wie ein Gemälde. Ihre Mutter war Schauspielerin…

S: Sie ist immer noch Schauspielerin…

E: Haben Sie das Gefühl, etwas von Ihren Eltern zu haben?

S: Ich habe das Gefühl, dass ich alles von meinen Eltern habe, ich verdanke ihnen alles. Von ihrer Erziehung bis zu dem, was ich von ihnen geerbt habe – ich verdanke meinen Eltern so viel. Und all die harte Arbeit, die ich geleistet habe, habe ich es von ihnen gelernt. Auch wenn sie es mir nicht bewusst beigebracht haben, waren sie immer sie selbst und ein gutes Beispiel.

Und wie Sie wissen, schauen Kinder zuerst auf ihre Eltern und ahmen nach, was sie tun. Ich verdanke meinen Eltern, wer ich bin.

E: Schaust du deinen Eltern bei der Arbeit zu?

S: Natürlich! Als Kind habe ich das so oft wie möglich gemacht. Ich ging immer ins Theater, um meiner Mutter beim Spielen zuzusehen, und ich besuchte auch immer die Ausstellungen meines Vaters. Ich half ihm beim Verschieben der Bilder, und wir gingen ins Plain Air wo er malte. Wenn wir am Meer waren, gingen wir oft in die Dünen – Litauen hat Sanddünen auf der Kurischen Nehrung (Kuršių nerija). Er ging irgendwo in die Dünen, und ich ging allein zum Strand, erledigte meine Sachen und meditierte. Nach drei Stunden fand ich ihn dann, indem ich einfach erahnte, wo er etwas Schönes zum Malen gesehen haben könnte. Ich schaute mir an, was er gemalt hatte, und wir tauschten sofort unsere Meinung aus. Ich sagte ihm, was ich dachte, genau wie er es mir sagte, denn ich spiele meinen Eltern oft etwas vor, wenn ich ein Vorspiel machen muss.

E: Sind sie gute Kritiker?

S: Sie sagen genau, was sie denken. Natürlich sind sie keine Profis am klassischen Klavier, aber sie sind künstlerisch, sie sagen, was sie glauben, und das nehme ich an. Ebenso gehe ich mit jedem neuen Stück zu meiner Mutter, und wir sprechen oft über Theater, Musik und unsere Erfahrungen. Ich versuche auch immer, die Ausstellungen meines Vaters zu besuchen. Vor kurzem eröffnete mein Vater eine Ausstellung in Berlin, und als ich durch Berlin reiste, ging ich vorbei. Es war etwas ganz Besonderes, dieses Stück meiner Familie mitten in Berlin zu finden. Und wir helfen uns auch gegenseitig bei der Organisation: Ich habe eine Ausstellung für meinen Vater in Kassel organisiert, und als wir dann zur Vernissage der Ausstellung fuhren, organisierte ich ein Konzert für mich und meine Mutter, denn sie ist auch professionelle Sängerin. Sie besuchen immer meine Konzerte, wenn sie können – meine Eltern kamen auch nach Paris, als ich dieses Konzert gab, bei dem der französische Präsident Emmanuel Macron und der litauische Präsident Gitanas Nausėda anwesend waren.

E: Das bedeutet, dass deine Eltern deinen künstlerischen Weg unterstützt haben.

S: Natürlich, ja.

E: Das ist großartig. Aber wie bist du zur Musik gekommen? Spielt jemand ein Instrument? Ah, deine Mutter hat gesungen ... gab es ein Klavier zu Hause?

S: Anfangs gab es bei uns kein Klavier.

E: Wie kam das Klavier in dein Leben?

S: Ich war ein künstlerisches Kind, und meine Eltern beschlossen, mich in das Vorschulmusikprogramm der Nationalen M. K. Čiurlionis-Kunstschule in Vilnius zu schicken. Als es an der Zeit war, ein Instrument zu wählen, meldete mich meine Mutter für Klavier an. So ist es ...

E: Danke, Simonas!